La cinematografía

Apuntes a la lectura del capítulo 7 del libro de David Bordwell & Kristin Thompson, El arte cinematográfico.

Las cualidades cinematográficas implican tres factores:
1. los aspectos fotográficos de la toma
2. el encuadre de la toma
3. la duración de la toma

La cinematografía, que literalmente significa “escribir en movimiento”, depende en gran mediad de la fotografía que significa “escribir con luz”.

Para “escribir con luz y movimiento” el cineasta debe hacer uso de la cámara y conocer las posibilidades que ésta ofrece. Es decir, aparte de manipular la luz adecuada, debe seleccionar una gama de tonalidades, operar la velocidad del movimiento y adecuar el espacio y la perspectiva de la toma.

Gama de tonalidades

Los tipos de película se diferencian por las cualidades químicas de la emulsión. La elección de la película tiene diversas implicaciones artísticas. La imagen tendrá mayor o menor contraste dependiendo, en parte, de la cinta empleada. El contraste se refiere al grado de diferencia entre las áreas más oscuras y las más iluminadas del cuadro.La gama de tonalidades en la imagen resulta crucialmente afectada por la exposición de la imagen durante la filmación. El director (o el camarógrafo – director de fotografía), controla la exposición regulando la cantidad de luz que pasa a través de la lente de la cámara.

La cantidad de luz utilizada en el escenario durante el rodaje, también afecta el grado de contraste de la imagen.

Cuando una imagen ha tenido poca exposición queda demasiado oscura y cuando por el contrario ha sido sobreexpuesta, ésta queda demasiado brillante o demasiado blanca. Sin embargo, los directores de cine y los directores de fotografía “juegan” con la exposición para lograr el efecto que se desee, es decir, es posible que se quiera sobreexponer una escena para efectos dramáticos, entre otras cosas.

La exposición a su vez, se puede alterar por medio del uso de filtros – rodajas de vidrio o gelatina que se ponen frente al lente de la cámara y que afectan la gama de tonalidades de forma bastante radical.

Los contrastes dentro de la imagen permiten a los directores guiar el ojo del espectador a partes importantes del encuadre.

Las tonalidades de las películas, tanto las de color como las de blanco y negro, también se pueden alterar con ciertos procesos de laboratorio.

Velocidad del movimiento

Cuando se recrea un evento para filmarlo, el director puede dictar el ritmo de la acción. No obstante, éste ritmo también puede verse afectado por la velocidad en que la cámara captura la secuencia.

La velocidad del movimiento que vemos en la pantalla depende de la relación entre la proporción a la que se rodó la película y la proporción de la proyección. (Ambas se calculan en cuadros por segundo).

La llegada del sonido obligó a estandarizar la proporción del rodaje y la proyección a 24 cuadros por segundo. Con la suposición de una velocidad constante, cuanto menos cuadros se tomen por segundo, mayor será la aceleración de la acción en la pantalla. Por otro lado, cuanto más cuadros por segundo se tomen, la acción de la pantalla parecerá mas lenta.

La cámara lenta se utiliza para lograr énfasis y se ha vuelto una manera de retrasar un momento espectacular o un gran drama (ejemplo: la escena de un combate en cámara lenta es uno de los clichés mas usados del cine contemporáneo).

Formas extremas de cámara rápida y cámara lenta alteran radicalmente la velocidad del material presentado. La filmación acelerada nos permite ver la puesta del sol en segundos u observar una flor germinar, brotar y florecer en un solo minuto. Para ello se requiere una velocidad de rodaje muy lenta, quizá un cuadro por minuto, por hora o incluso por día. Para la filmación de alta velocidad, que talvez busque filmar una bala que se estrella contra un cristal, la cámara puede llegar a exponer cientos o incluso miles de cuadros por segundo.

Relaciones de perspectiva

La lente de la cámara fotográfica recolecta la luz de la escena y la transmite hacia la superficie plana de la película para formar una imagen que represente tamaño, profundidad otras dimensiones de la escena. Una diferencia entre el ojo y la cámara, sin embargo, es que las lentes fotográficas pueden intercambiarse y cada tipo de lentes presentará relaciones de perspectiva de distintas maneras.

La lente: longitud focal

En términos técnicos la longitud focal es la distancia desde el centro de la lente hasta el punto donde los rayos de luz convergen hacia un punto de enfoque en la película.

La longitud focal altera la amplificación, la profundidad y la escala de los objetos en la imagen percibidas. Normalmente distinguimos tres clases de lentes según sus efectos de perspectivas.

1. Lente de longitud focal corta (de ángulo ancho): Dichas lentes tienden a distorsionar las líneas rectas que están cerca de los bordes del encuadre, pandeándolas hacia afuera.

La longitud focal corta tiene la propiedad de exagerar la profundidad, puesto que las distancias entre en primer plano y el fondo parecen mayores.

2. Lente de longitud focal media (“normal”): Esta lente “normal” busca evitar la distorsión notable de la perspectiva. El primer plano y el fondo no deben parecer separados (como con la lente de ángulo ancho) ni juntarse (como con la lente telefoto).

3. Lente de longitud focal larga (telefoto): Mientras que las lentes de ángulo ancho distorsionan lateralmente el espacio, las lentes más largas aplanan el espacio a lo largo del eje de la cámara.

Una lente de longitud focal larga también afecta el movimiento del sujeto, debido a que “aplana” la profundidad.

La longitud de la lente puede afectar distintamente la experiencia del público. (Por ejemplo, las cualidades expresivas son sugeridas por lentes que distorsionan objetos o personajes.)

Existe otra clase de lente que le ofrece al director la oportunidad de manipular la longitud focal y transformar las relaciones de perspectiva durante una sola toma: el lente zoom. Éste se diseña ópticamente para permitir la variación continua de la longitud focal. El zoom se ha utilizado en ocasiones para sustituir el movimiento de la cámara hacia delante y hacia atrás. Aunque la toma zoom presenta un encuadre móvil, no constituye un movimiento genuino de la cámara.

La lente: profundidad de campo y enfoque

La longitud focal no sólo afecta cómo se magnifica o se distorsionan la forma y la escala; también afecta la profundidad de campo de la lente. La profundidad de campo es un rango de distancia frente a la lente, dentro de la cual los objetos se fotografían enfocados.

Ésta no debe confundirse con el concepto de espacio profundo, que e da en la puesta en escena. Espacio profundo es un término para designar la manera en que los directores recrean la acción en varios planos diferentes sin importar que todos los planos estén enfocados. El espacio profundo en una propiedad de la puesta en escena que se da de acuerdo a como se compone la imagen. La profundidad de campo es una característica de la lente fotográfica, que afecta que planos de la imagen se enfocan.

Encuadre

En un filme, el encuadre no constituye un mero límite neutral; produce cierto punto de ventaja sobre el material dentro de la imagen. En el cine el encuadre resulta importante porque activamente nos define la imagen.

El encuadre afecta con tal fuerza la imagen por medio de:

1. el tamaño y formato del encuadre
2. la manera en que el encuadre define el espacio dentro y fuera de la pantalla
3. el modo en que el encuadrado controla la distancia, el ángulo y la altura de la mirada en la imagen
4. el movimiento del encuadre respecto a la puesta en escena.

Dimensiones y forma del encuadre

La proporción del ancho del cuadro por su altura se llama proporción de aspecto. A lo largo de la historia del cine las proporciones de aspecto han ido cambiando (ver páginas 210 – 211).

El encuadre rectangular, utilizado por la mayoría de los cineastas, no ha impedido que los directores de cine experimenten con otras formas de encuadre. Eso se hace, comúnmente, haciendo uso de mascarillas sobre los lentes bloqueando la entrada de la luz.

Pantalla dividida o split-screen

Hay directores que escogen explorar las posibilidades de encuadres múltiples que les permite el uso de la pantalla dividida o el split-screen. En éste proceso, dos o más imágenes diferentes, cada una con sus propias dimensiones de encuadre y forma, aparecen dentro del gran encuadre de la pantalla.

La elección del formato de la pantalla por parte del director constituye un factor importante en la formación de la experiencia del espectador ya que, tanto el tamaño como la forma del encuadre, guían la atención del espectador.

Espacio en pantalla y fuera de pantalla

El encuadre elige una porción para mostrárnosla. Los personajes entran o salen de la imagen desde y hacia alguna parte que se nos sugiere con los limites de la pantalla.

Un personaje puede mirar o gesticular directamente hacia algo fuera de la pantalla. El hecho que no lo veamos, no quiere decir que tenga menor importancia. Cuando leamos sobre el sonido en el cine veremos como el sonido puede también aludir a estos espacios que quedan fuera de nuestro alcance visual pero que hacen parte de la composición total del filme.

Ángulo, nivel, altura y distancia del encuadre

El encuadre no sólo implica espacio fuera de sí mismo, sino también una posición desde la cual se observa el material en la imagen. Semejante posición es aquella de la cámara que filma el evento (aunque en las películas animadas no se usan cámaras).

• Ángulo: El cuadro implica un ángulo de encuadre respecto de lo que se muestra. El número de tales ángulos resulta infinito puesto que hay un número infinito de puntos en el espacio que la cámara podría ocupar. Sin embargo, en la práctica, distinguimos tres categorías generales del ángulo: recto, superior e inferior. El encuadre de ángulo inferior nos sitúa viendo “hacia arriba” mientras que el del ángulo superior nos pone a mirar “hacia abajo”. (para mayor información remitirse a éste enlace)

• Normal: el ángulo de la cámara es paralelo al suelo.
• Picado: la cámara se sitúa por encima del objeto o sujeto mostrado, de manera que éste se ve desde arriba.
• Contrapicado: opuesto al picado.
• Nadir o Supina o Contra Picado Perfecto: la cámara se sitúa completamente por debajo del personaje, en un ángulo perpendicular al suelo.
• Cenital o Picado perfecto: la cámara se sitúa completamente por encima del personaje, en un ángulo también perpendicular.
• Nivel: Es posible distinguir el grado al que se “nivela” el encuadre. Podríamos decir que el nivel hace referencia a los grados de nivelación que tiene la cámara, más no necesariamente a su altura.

• Altura: El ángulo de la cámara está parcialmente relacionado con la altura: encuadrar desde un altura nos permite diferentes perspectivas de una imagen.

• Distancia: El encuadre ofrece un sentido de lejanía o cercanía a la puesta en escena de la toma. Este aspecto del encuadre por lo común se denomina distancia de cámara.

En un extreme long shot (para los nombres en español, remitirse a éste enlace) la figura humana es apenas visible. Este encuadre se usa para paisajes o vistas aéreas. En un long shot las figuras resultan más prominentes pero el fondo aún domina. En un medium long shot las figuras humanas se capturan desde las rodillas, mientras que en un medium shot el cuerpo se captura desde a cintura para arriba.

El medium close-up quiere revelar algún detalle del encuadre y el rostro es más prominente ya que captura el cuerpo del pecho hacia arriba. El close-up es tradicionalmente la toma que muestra sólo la cabeza, un objeto, una mano o enfatiza una expresión facial, mientras que el extreme close-up singulariza una porción de la cara o aisal un detalle y/o magnifica el momento.

Aunque no hay límites precisos, estos términos nos son útiles cuando vamos a desglosar una escena o analizar una secuencia.

Funciones del encuadre

Debemos tener cuidado con asignar significados absolutos a los ángulos, las distancias y otras cualidades del encuadre. Resulta seductor creer que el encuadre desde un ángulo bajo automáticamente “dice” que un personaje es poderoso y que lo contrario lo puede mostrar derrotado y débil.

Confiar en tales formulas sería olvidar que el significado y el efecto siempre surgen de la película total. De su operación como un sistema. El contexto de la película determinará la función del encuadre y, asimismo, determinará la función de la puesta en escena, de las cualidades fotográficas y de otras técnicas.

Debemos buscar las funciones que la técnica realiza en el contexto particular del filme completo. La distancia, altura, nivel y ángulo de la cámara, a menudo adquieren funciones narrativas.

Un encuadre puede aislar un importante detalle narrativo. También puede contribuir a guiarnos para juzgar una toma como “subjetiva” (subjetividad de percepción que despliega lo que un personaje observa o escucha). A este encuadre en particular se le conoce como toma de punto de vista o toma subjetiva.

No obstante, los encuadres no sólo funcionan para dar énfasis a la forma narrativa; también tienen su propio interés intrínseco. Los close-ups nos permiten explorar detalles y texturas mientras los long shots nos permiten explorar espacios amplios. No podemos clasificar todas las funciones no narrativas del encuadre; sólo es posible sugerir que la distancia, el ángulo, la altura y el nivel de la cámara crean una posibilidad constante para disponer nuestra percepción a las cualidades visuales.

El encuadre móvil

“Encuadre móvil” significa que dentro de a imagen el encuadre del objeto cambia, y así genera cambios de altura, distancia, ángulo o nivel de la cámara durante la toma. A través de tal encuadre podemos acercarnos o alejarnos del objeto, rodearlo o atravesarlo.

Tipos de encuadre móvil

• Paneo: (término derivado de “panorama”). Hace referencia al movimiento de la cámara que examina el espacio de manera horizontal. La cámara se monta sobre un eje vertical y no cambia de sitio.

• Inclinación (tilt): Como si la cámara moviera su cabeza de arriba hacia abajo.

• Travelling: la cámara como unidad cambia de posición desplazándose en cualquier dirección a lo largo del piso; hacia delante, hacia atrás, en círculo, diagonalmente o de un lado a otro.

• Toma de grúa: la cámara se eleva o desciende sobre el nivel del piso, gracias a un brazo mecánico que la alza o la baja.

Los movimientos anteriormente mencionados son los más comunes, aunque virtualmente podría decirse que cualquier tipo de movimiento es posible. Estos tienen efectos notables; con frecuencia aumentan la información sobre el espacio de la imagen. El Steadicam ha permitido ampliar la posibilidad de los movimientos, aunque hay quienes en ocasiones prefieren la estética de la “cámara la hombro” o “cámara en mano”. (La cámara agitada que se mueve como si la cargara un personaje, usualmente la que vemos en noticieros o reportajes en vivo).

Funcionalidad de movilidad de encuadre

1. El encuadre móvil y el espacio: El encuadre móvil también afecta continuamente la distancia, el ángulo, la altura o el nivel del encuadre. Un travelling hacia adentro cambiaría la imagen desde un long shot hasta un close-up, por ejemplo.

Los diferentes tipos de movimientos de cámara generan diferentes tipos de concepciones del espacio al igual que la técnica fílmica que se use determina de manera significativa la “forma” de una película.

2. El encuadre móvil y el tiempo: La movilidad del encuadre implica tanto tiempo como espacio, y los directores han comprendido que nuestro sentido de duración y ritmo se ve afectado por el encuadre móvil. La velocidad de movilidad del encuadre es también muy importante.

Es importante entender que, atendiendo a la manera en que los directores usan el encuadre móvil dentro de contextos específicos, es posible ganar una comprensión mas completa sobre cómo se genera una película.

3. Modelos de encuadre móvil: No hay reglas: el encuadre móvil crea sus propios motivos específicos dentro de un filme.

Duración de la imagen: la toma prolongada

El cine es un arte tanto de tiempo como de espacio y la duración de la toma afecta nuestra comprensión de la misma.

Existe una tendencia por considerar la toma como una grabación de duración “real”. Lo que debe notarse, sin embargo, es que la relación de la duración de la toma con el tiempo consumido por el evento filmado no es tan simple.

Como ya hemos visto a lo largo del capítulo (y como lo veremos en el capítulo sobre la edición), la duración del evento en pantalla se manipula por ajustes en el mecanismo de la cámara.

Los filmes narrativos a menudo no permiten una equivalencia simple de la “duración real” con la duración en la pantalla. La duración de la historia puede diferir considerablemente de la duración del argumento y de la duración en pantalla.
La toma prolongada

La toma constituye un solo disparo de la cámara para filmar. La toma prolongada podría considerarse como una alternativa a una serie de tomas. Cuando una escena entera se exhibe en una sola toma, la toma prolongada se denomina con el término plano secuencia.

El plano secuencia puede hacer uso de todos los movimientos de cámara anteriormente mencionados (travelling, grúa, paneos, etc) y requiere gran habilidad y coordinación.